Excerpt of An Interview with Vicente Dopico-Lerner

Excerpt of An Interview with Vicente Dopico-Lerner (Read the full interview at artdistricts.com):

Vicente Dopico-Lerner is a multidisciplinary artist with a long-standing career and a solid body of work in which abstract expressionism, surrealism and neofiguration go hand in hand. In this interview he tells us about his life, his work, his upcoming projects and he describes the initial years of the Miami art movement.
Interview by Raisa Clavijo
Artist Vicente Dopico-Lerner

Raisa Clavijo – You arrived in the United States at the beginning of the 1960s and were one of the first artists to graduate from Miami Dade College. Tell me about those years. What opportunities did artists have back then?
Vicente Dopico-Lerner – I arrived in the United States in 1964 and started studying art in 1967 at MDC, which at that time was called Miami Dade Junior College. It was the only college where you could study the first two years of any career. There was also the University of Miami, which was cost prohibitive. At the time, I considered the art department at MDC to be better than its counterpart at UM. It was made up of great professors, including the sculptor Duane Hanson, who later on became one of the most prominent figures in the American hyperrealist movement.
For the first time fiberglass was being used as material for sculpture. It was a time when hyperrealism, abstract expressionism and many other tendencies converged, and these nourished us young artists in a Miami devoid of the winds of change that blew in the world of art and in society in general. These were the times of the counterculture, the hippie movement and the beginning of the Vietnam war. The Miami Cuban community was still in its infancy. Miami was not even half of what it is today. As there were very few galleries and very few buyers, we had to find a way to put food on the table somehow and paint in our spare time. Exhibition spaces were scarce, and Miami Dade College was an indispensable meeting place.
R.C. – In your oeuvre abstract expressionism, neofiguration and surrealism go hand in hand. What influences do you recognize as being essential in your work?
V.D.L. – I like the fact that all of these tendencies appear in my work; I don’t want to feel pigeonholed. We painters are tied to visual memory-we are constantly subjected to different influences. In today’s culture we are constantly bombarded by images that we invariably draw from. At the beginning of my career, German expressionism, the oeuvre of Munch and Kirchner influenced me strongly. However, I also recall that at a very young age I copied Picasso’s Blue Nude. Initially we are always influenced by the great masters, but then we discover our own language in which we may incorporate different artistic tendencies. My work is obviously influenced by the tormented images of Bacon, (I visited his show at the Guggenheim several times in the 1970s), and also by the work of Roberto Matta from the 1980s.
R.C. – Tell me about the different stages you have undergone as an artist. How did you evolve to the work you do today?
V.D.L. – We find our way through practice and experience. We go through different stages, and I would say that I’m still going through them. I believe that I am once again at a point of self-discovery and development. We artists are influenced by the experiences that mark our lives and consciously or unconsciously we reproduce them in our work. Therefore, I suppose, in some way the work of all creators is autobiographical. In order to arrive at the work I do today, I have lived in different places and countries. I have suffered victories and setbacks, and I have incorporated these into my work. My style has been born of that mixture of influences-always dreaming of a better and truer oeuvre.
R.C. – The disturbing figures that have appeared in your work over the last few decades have become a constant. What do these figures represent?
V.D.L. – I see them as beautiful and very real because they don’t hide behind masks; they are like the present day, at once disturbing but beautiful. This is a period in humanity when the values of morality and justice are bought. Look at what happened with the oil spill in the Gulf of Mexico, with the ecological disaster caused by BP? Nothing. Silence was purchased. What do you expect me to paint?
These constants, which appear involuntarily in my work, are directly related to what I live each day. In 2000 I had a show at the Museo de Arte Moderno in the Dominican Republic that I intentionally called, ‘Hacia el Fin del Milenio’ ['Toward the End of the Millenium'] I then presented that same exhibition in Havana in 2001, at the Convento de San Francisco de Asís, where I entitled it ‘Aguardando que escapen los demonios’ ['Waiting for the Demons to Escape']. All of those ‘horrific’ beings were there, attempting to exorcize our own demons. They reflect my own character; I am neither very optimistic nor happy.

Andres Valerio - Cincuenta Aniversario de Carrera Artistica

He was born in the City of Havana, Cuba on December 16, 1934. He is a graduate of San Alejandro School of Fine Arts in 1958 with honors. Valerio is a winner of The Magda Iturrios Award. In Cuba he held a one-man show and participated in over 65 group shows, including some abroad.

Andres Valerio
Cincuenta Aniversario
Portada de su Catalogo por 50 Aniversario de carrera artistica
1958-2008

Miguel Ordoqui - Escrito por Rosario Moreno

Articulo sobre el artista plastico cubano Miguel Ordoqui escrito por Rosario Moreno.

Publicado en la revista Arte Latinoamericano

Edicion No 22 Julio a Diciembre de 2011

Miguel Ordoqui - Escrito por Roberto Cayuso

Articulo sobre el artista plastico cubano Miguel Ordoqui escrito por Roberto Cayuso.

Publicado en la revista Arte Latinoamericano

Edicion No 22 Julio a Diciembre de 2011

La Ira De Jorge Santos - Artista Plastico Cubano

Este articulo fue escrito por Manuel A. Lopez.

Publicado en la Revista Arte Latinoamericano

Nu 22. Julio a Diciembre de 2011

Jorge Santos was born in Havana, Cuba in 1973. Graduated from San Alejandro's Academy in 2004. He also took several courses of painting's techniques in 'Taller de Manero'. His works had been part as many expositions in Havana, Fort Lauderdale, Miami, Bilbao, Zurich and Copenhagen and some of his paintings as part of private collections. Jorge Santos currently lives in Miami, Florida.

Jorge Santos
La Ira de Jorge Santos P1
Revista Arte Latinoamericano

Jorge Santos
La Ira de Jorge Santos P2
Revista Arte Latinoamericano

Proyecto "Arte Soy Entre las Artes" Obras elaboradas en el Taller Aguilera, Santiago de Cuba

Proyecto Cultural
"Arte Soy Entre Las Artes"
Elaborado en el Taller Aguilera
Santiago de Cuba

Recrean en las artes plásticas facetas de José Martí

Variadas facetas de la vida de José Martí se recrean en casi tres decenas de pinturas expuestas en la galería de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (UNEAC) en la ciudad de Guantanamo, 910 kilómetros al sureste de La Habana.

"Arte soy entre las artes" se titula el proyecto cultural organizado por la Oficina del Conservador de la Ciudad de Santiago de Cuba, el taller Aguilera, de esa urbe oriental, el Consejo Nacional de las Artes Plásticas y la Biblioteca Nacional José Martí. La curadoria de el proyectoestuvo a cargo de Josefina Aguilera Tamayo y Mercedes Mascarell Sarmiento.

El grabado y la litografía son las técnicas más utilizadas en las 78 piezas del proyecto original, de las cuales 28 se exhiben en la exposición. Las obras resumen la visión personal de un grupo de artistas de esa manifestación cultural, quienes se inspiraron en el legado del Héroe Nacional de Cuba en ocasión del aniversario 150 de su natalicio, celebrado en el 2003.

Inspirado en el rostro del Apóstol, los creadores abordan la apreciación intima que les inspiran el pensamiento y la huella del también fundador del Partido Revolucionario Cubano durante la lucha por la independencia del yugo colonial español en el siglo XIX.

Muchas de las obras de la muestra deben su título a fragmentos de versos o frases del también destacado escritor, poeta, orador y periodista, de cuya caída en combate se conmemoran 111 años el próximo viernes 19 de mayo.

En la colección expuesta en Guantánamo figuran trabajos de destacados virtuosos de las artes plásticas, entre ellos Roberto Fabelo, premio nacional de esa manifestación en 2004, y Adigio Benítez y José Julián Aguilera, entre otros.

Los artistas plasticos colaboradores en piezas del proyecto original "Arte soy entre las Artes" de el Taller de la Grafica Aguilera fueron:

Eduardo Miguel Abela Torras

Rafael Acosta de Arriba

Jose Angel Aguilera Tamayo

Carlos Rene Aguilera Tamayo

Joel Silvano Aguilera Tamayo

Jose Julian Aguilera Vicente

Ruben Alpizar Aquintana

Grettel Arrate

Diana Balboa

Agustin Bejarano

Adigio Benitez

Jose Luis Berenguer

Augusto Blanca Gil

Miguel Angel Botalin Pampin

Kamil Bullaudy

Sadie Caballero Villar

Rafael Ochoa Campana

Lincoln Nicolas Camue Nohalla

Jose Antonio Choy Lopez

Roberto Crispin Sarras

Sinecio Cuetara Menecia

Alicia De La Campa Pak

Zaida Del Rio Castro

Nelson Dominguez Cedeno

Li Dominguez Fong

Lang Dominguez Fong

Enrique Rafael Ermus

Adolfo Narciso Escalona

Yendi Tomas Estrada Cancino

Roberto Fabelo

Amilkar Fernandez Betancourt

Carlos Alberto Fernandez Montes de Oca

Antonio Ferrer Cabello

Guarionex Antonio Ferrer Estiu

Flora Fong Garcia

Luis Mariano Frometa Bustamante

Freddy Garcia Azze

Luis Ulises Garcia Gonzalez

Eduardo Ruben Garcia Herrera

Aimee Garcia Marrero

Ernesto Garcia Pena

Luis Juan Garzon Masabo

Suitberto Goire Castilla

Jorge Felix Gonzalez Cespedes

Eduardo Gonzalez Exposito

Ernesto Gonzalez Litvinov

Yuri Gonzalez Litvinov

Xiomara Gutierrez Valera

Carlos Manuel Guzman Hernandez

Jose Antonio Hechevarria Rivas

Juana Hernandez Gutierrez

Jorge Luis Hernandez Pouyu

Jose Loreto Horrutiner

Joel Jover Llenderrosos

Jorge Juan Knight Vera

Luis Lamonthe Duribe

Luis Lara Calana

Alberto Lescay Merencio

Miguel Angel Lobaina Borges

Isidro Lopez Botalin

Omar Lopez Rodriguez

Omara Lopez Segrera

Geovanny Luque Garcia

Fabian Martinez Borrero

Frank Ernesto Martinez Gonzalez

Ulises Matos Garcia

Jose Armando Medina Sanabria

Rigoberto Mena Santana

Modesto Montero Bell

Julio Omar Morales Candelaria

Yuri Moreno Ruiz

Martha Mosquera Rosell

Pedro Pablo Oliva Rodriguez

Reynaldo Pagan Avila

Yasbel Perez Dominguez

Jose Miguel Perez Hernandez

Caridad Ramos Mosquera

Ernesto Mateo Racano Vieites

Augusto Rivero Mas

Angel Eusebio Rivero 

Eduardo "Choco" Roca Salazar

Julio Cesar Rodriguez Aguilar

Juan Vicente Rodriguez Banochea

Andrs Rodriguez Gervet

Luis Joaquin Rodriguez Ricardo

Roberto Rodriguez Valdes

Ludmila Romero Matos

Aziyade Ruiz Vallejo

Ileana Sanchez Hing

Isabel Santos Rojo

Raul Cesar Santos Serpa

Ricardo Silveira Miro

Alejandrina Silvera Guerra

Israel Tamayo Zamora

Mario Trenard Sayago

Julia Valdes Borrero

Lesbia Vent Dumois

Ernesto Villanueva Morera

Mearson Daniel Zafra Perez

 

Carlos M. Luís critica constructivamente la obra de Pedro Avila Gendis

Carlos M. Luís critica constructivamente la obra de Pedro Avila Gendis

Pedro Avila Gendis. Nacido en Camaguey, Cuba, en 1959 sus primeros estudios y exposiciones se desarrollan en la isla donde recibió varios premios de diseño. Trasladado a Portugal en el año 2,000, presentó varias exposiciones en ese país tanto de pintura como de escultura dejando su nombre asentado en sus medios artísticos. Actualmente Pedro Avila vive en USA donde continúa realizado su labor pictórica. Volviendo a su etapa portuguesa, en el catálogo de la exposición que hiciera en la galería de arte Convento Espíritu Santo, sorprendemos en el mismo una construcción elaborada a partir de planos yuxtapuestos a un fondo que le brinda solidez a la composición. En otras palabras que el artista fue buscando dentro de la expresión abstracta, una especie de contrapunto entre formas estructuras y colores que insinuaba una relación estilística con muchos de los maestros franceses mencionados en este trabajo. Ese contrapunto, pues, señalaba una inclinación a mantener la arquitectura del cuadro intacta a pesar de que en algunos de éstos el libre juego de los colores se inclinaba más hacia la estratificación gestualista practicada por los franceses y algunos pintores estadounidenses como San Francis. Es interesante señalar aquí que a pesar de no haber mantenido contacto directo alguno con el Grupo de los Once, Pedro Avila prosigue de cierta manera el camino inaugurado por varios miembros de aquel grupo sobre todo por Antonio Vidal quien de paso, también practica la escultura. Me refiero entonces a varias confluencias estilísticas que influyen siempre en la obra de un artista aunque éste no tenga conciencia directa de las mismas. El asunto de las influencias es algo que se trasmite por otras vías que parecen estar ?en el aire?? sin ser percibidas en una forma precisa. Cada artista ?respira?? de ese aire lo que su voz interior le sugiere como es el caso de Pedro Avila. Situados ya dentro de su proceso creador podemos ahora descubrir en el mismo varias de sus propiedades más relevantes. Hay dos que saltan simul- táneamente a la vista: La forma y el color. La primera implica, como ya he señalado antes, una estructura que la sostenga. Esto se hace evidente a medi- da que el pintor va avanzado en su expresión de contenido abstracto pero sin menoscabo hacia esa tendencia suya a praticar la escultura la cual le brinda a su pintura una fuerte consistencia. Habíamos mencionado antes que el auto- matismo gestual pudo haberle brindado a algunos de sus cuadros anteriores una soltura que no se avenía con los planos más rígidos que funcionan den- tro de la mayoría de sus cuadros. Pero a medida que el pintor fue explorando la ecuación plano-estructura, esas formas se precisaron más en el espacio creando en muchos casos unos volúmenes que sugieren la presencia de la mano de un escultor detrás del pincel y la brocha. Esto no significa, sin em- bargo, que su obra sufra de estatismo. Por el contrario, la manipulación del color se encuentra en función de poner en movimiento una superficie que ya los primeros maestros abstractos como Kandinsky vieron como dúctil a los juegos de su imaginación. Podríamos entonces aseverar que esos movimien- tos súbitos que descubrimos en muchos de sus cuadros tienden a recrear poéticamente un mundo concebido a la manera pictórica. Lo que nos conduce a su otro elemento primordial: el color.

El color es, quien lo duda, una fuente inagotable de creatividad . Con el color un artista traspasa las fronteras de la percepción inmediata de las cosas para explorar otras dimensiones como lo hicieran los impresionistas, los fauvistas y sus herederos los pintores abstractos a la manera de Kandinsky.

Pedro Avila Gendis
Mixed Media on Canvas
Flores-Carbonell Collection

Este último soltó definitivamente las amarras que existían con la realidad exterior para quedarse en pura expresión que guardaba relaciones más estre- chas con otras artes como la música y la arquitectura, ambas sea dicho de paso, íntimamente relacionadas entre sí. Esa vía abierta ya para siempre por los pintores abstractos es la que recorre Pedro Avila utilizando una rica gama de colores que a ratos vemos explotar en sus cuadros de una forma in- contenible. A pesar de su inmediatez, el color posee sus misterios que sólo el artista logra descifrar. En ese sentido un pintor actúa mágicamente con fórmulas y procedimientos que va confeccionando a través de experiencias acumuladas donde no faltan los elementos lúdicos y del azar. Para nadie es un secreto que el pintor contemporáneo, sobre todo de tendencia abstracta, gusta de experimentar lúdicamente con el color y Pedro Avila no es una excepción de la regla. Su obra atestigua de esa fruición que el artista siente cuando comienza a trabajar lo que Raimundo Llul llamaba el ?ars combina- toria? conducente a revelaciones inesperadas. Por ejemplo cuando el artista expande los pigmentos en la tela o el papel creando soluciones prismáticas de gran calidad poética. Lo inesperado: he aquí, entonces, la llave que puede abrirnos las puertas de la pintura de Pedro Avila. Frente al conjunto de sus pinturas podemos experimentar ese sobresalto inicial que el encuentro con una obra de arte nos comunica. El Arte Contemporáneo ha hecho de la sorpresa una de sus propiedades de ahí que mantenga gracias a sus mejores practicantes, una vitalidad contagiosa. Creo que el abstraccionismo lejos de estar fuera de moda, continúa actuando positivamente en la encrucijada en que se encuentra el arte actual . Le toca pues a pintores como Pedro Avila seguir dando muestras de esa vitalidad.